CR visite Louvre

CR visite Louvre

La construction du Louvre est indissociable de l’histoire de Paris. Elle s’étend sur plus palais ait été imaginé résidence, donnant a ègne de Louis XIV. Avec 8,9 millions de S. wp next page Ian général du rles V y établit sa conserve Jusqu’au c’est le site culturel le plus visité en France devant la tour Eiffel, la cathédrale Notre- Dame de paris étant en tête des monuments à l’accès libre avec 13,6 millions de visiteurs estimés. source:Wikipédia) Lors de notre visite, nous avons visité la partie du Musée consacrée à la Renaissance. Mon compte-rendu montrera donc l’évolution de la peinture lors de la Renaissance entre Fra Angelico et Titien, puis je structurerai mes notes sur la sculpture se développant à Venise la Renaissance, après je ferai une étude thématique sur le Parnasse et Minerve chassant Vénus et les vices du jardin , enfin je présenterai l’Autoportrait de Jacopo Robusti. Sv. ‘ipe to Robusti.

Partie linéaire L’évolution de la peinture lors de la Renaissance Il faut savoir tout d’abord qu’au Moyen-Age gothique, les peintures religieuses étaient faites sur fond doré, une teinture qui se rapportait à Dieu et les personnages représentés n’exprimaient pas leurs sentiments. Ces méthodes se conservèrent lors

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du début de la Renaissance italienne, c’est-à-dire au moment du Trecento. Nous pouvons le montrer à travers la Vierge à l’enfant de Cimabue qu’il peigna en 1280.

Contrairement à ses prédécesseurs, Fra Angelico, peintre du Cinquecento, ne peignera pas ses toiles sur une couleur dorée et avec des couleurs obscures mais plutôt avec des couleurs vives. Nous en avons la preuve dans le Couronnement de la Vierge pent en 1430. Pourtant, certains peintres de la Renaissance reprendront ces couleurs sombres comme dans la Bataille de San Romana, œuvre peinte par Uccello vers 1456. Les couleurs principales de ce tableau sont le gris, le rouge, le noir et le blanc.

A travers la Crucifixion de Mantegna peinte en 1456, nous pouvons apercevoir une apparition de l’expression du visage par les protagonistes et de la perspective. Dans ce tableau, le peintre joue aussi sur la posture des spectateurs par rapport aux personnes représentées, c’est-à- dire que dans l’observation de la peinture, il y a trois niveaux: terrestre, aérien et celui des spectateurs. En effet, lorsque l’on regarde la peinture, nous nous situons au niveau des chevaliers. Nous retrouvons ce même effet de erspective dans Saint- Sébastien 2 des chevaliers.

Nous retrouvons ce même effet de perspective dans Saint- Sébastien de Ghirlandaio peint en 1490. Dans le Portrait d’un vieillard et d’un garçon, il garde cet effet de perspective et en plus, il ne modifie pas les traits de visage des personnes peintes. Il est apparent que le vieil homme est malade par ses verrues pourtant le jeune garçon le touche et n’a pas peur. L’enfant Jesus, la Vierge Marie et Sainte Anne commencé par Leonard de Vinci en 1501 mais inachevé montre que l’artiste ne tien pas compte des contours des personnages car ils se confondent avec les décors.

Nous noterons aussi qu’il y a un fort sumato c’est à dire un clair bscur. Nous pouvons voir que sur les Noces de Cana peinte par Veronese, un épisode la Bible est représenté. Nous apercevons Jesus au centre du banquet, il réalise le fameux miracle de la transformation de l’eau en vin. Les personnages sont habillés comme à l’époque, les mariés ne sont pas centrés mais à gauche du tableau , donc le christ est mis en valeur, il est différencié des autres personnages par le fait qu’il est une auréole sur la tête.

Les pèlerins d’Emmaus peint par ce même artiste, représentent une famille, ils sont habillés luxueusement. Nous observons que outes les diagonales, les obliques et les lignes de forces forment des triangles symboles de la Trinité. Mise en forme des notes sur la sculpture Lors du 15ème siècle, un atelier de sculpture se développe Venise, l’atelier de Donatello. Ils sculptent leur célèbre sculpture, la Vierge à l’enfant. ‘œuvre 3 L’œuvre se présente comme un tableau, c’est un panneau sculpté.

Il est fait en stuc, un mélange de plâtre et d’eau. Ce retable est dédié à la Madone, il est de style renaissance. Nous notons un contraste entre la Vierge habillée d’un voile bleu et de l’enfant Jésus, habillé en rouge. Pourtant, les personnages sont très proches, ils se touchent même par le front, les deux protagonistes sont fusionnels , les mains de la Vierge enveloppent l’enfant. ly a peu de relief par rapport au fond, cela provoque un effet de visage ecrase. En 1456, l’atelier en conçoit une autre. Cette fois-ci la sculpture est en terre cuite.

Le « divin enfant » et Marie ne se regardent pas , ils regardent vers la gauche . L’œuvre est narrative, elle est plus réaliste. Le relief est beaucoup plus travaillé, comme nous le voyons sur le visage de l’enfant par le fait qu’il soit bombé. Tous les reliefs sont représentés. Le turban de la Vierge est très travaillé. Le bébé est à contre- point, il est surpris. La peinture est dorée, mais l’on retrouve les même couleurs. On pourrait se demander ce que regardent les personnages. En conclusion, l’œuvre montre l’amour éprouvée entre une mère et son enfant. Christ au Mont des Oliviers est un retable fait par la famille della Robbia. Il a été accompli en mettant de la terre cuite dans un moule, à partir de plusieurs morceaux. Il a d’abord été cuit, puis peint et enfin verni. Les trois couleurs utilisés sur cette sc 4 a d’abord été cuit, puis peint et enfin verni. Les trois couleurs utilisés sur cette sculpture sont le bleu, le jaune et le vert. Le rouge n’est pas utilisé. A partir des Représentations en Trois Dimensions de Michel Ange, nous pouvons observer une apparition des sentiments sur le visage des statues.

Elles ont été sculpté sur de la pierre. En effet, les statues représentent des esclaves, des captifs. Elles sont destinées à un tombeau. Nous apercevons qu’un des deux esclaves essaye de se détacher de ses liens, d’où le surnom qui lui a été apporté d’esclave rebelle. ly a un singe derrière lui qui représente le vice. L’autre est entrain de dormir. Il devrait être allongé mais il est mis debout. On se demande à quoi rêve le captif. Ils sont inspirés de Laocon et de ses fils.

La Nymphe de Fontainebleau sculpté par Cellini peut être comparée à la Diane, déesse de la chasse dans l’Antiquité. Cette femme est imaginaire. C’est une œuvre sculpté dans le bronze en France. Elle a été offerte à Diane de Poitiers. Le portail de Fontainebleau devait comporté cette œuvre. Elle représente une figure féminine entourée d’animaux. En- dessous d’elle est montré la Fontaine de Bliau, elle représente la ichesse. Aucun chiens ne se ressemblent mais ils ont tous placés à droite de la sculpture à l’opposé des animaux sauvages.

Partie thématique Dans le Parnasse peint en 1497 et dans Minerve chassant les vices du jardin de la Vertu conçu entre 1499 et 1502 par éonard de Vinci, Vénus est représentée de deux façons différentes: dune façon négat S 1499 et 1502 par Léonard de Vinci, Vénus est représentée de deux façons différentes: d’une façon négative, elle représente la Passion, ce qui est considéré comme un vice et d’une façon positive, où elle représente l’Amour. Présentation de l’Autoportrait de Jacopo Robusti Cette œuvre a été peinte vers 1588 à Venise.

Description Nous pouvons voir un vieil homme avec une barbe et des cheveux gris, seul son visage est éclairé, ce qui lui donne un aspect plus austère. I n’y a pas d’objets autour de lui, il est situé dans un noir total. Nous pouvons seulement apercevoir son manteau noir. ly a un fort clair obscur entre le visage et la fond. Analyse L’artiste a volontairement accentué la lumière en projetant exclusivement son visage dans l’obscurité. Ceci accentue l’effet autoritaire de sa personnalité et permet au pectateur de ressentir la gravité du personnage.

Conclusion • Cette visite a permis de prendre conscience de l’évolution de la Renaissance dans la peinture et la sculpture à travers des œuvres charismatiques avec des auteurs de grands talents. La Renaissance a apporter plein de changement dans l’art techniquement comme la perspective ou le clair obscur mais aussi le retour de fondement artistique inspiré de l’Antiquité et c’est à partir de cette période que les sentiments et la beauté des personnages ont été mis en avant bien avant le réalisme et nous constatons aussi une diversification des couleurs.